Sly Stone, the artist who changed music history and disappeared: ‘He had everything and almost deliberately threw it away’ | Culture

La banda Sly & the Family Stone en 1969. Gab Archive (Redferns) después de Elvis Presley, Bob Dylan, John Lennon y Paul McCartney, una revista estadounidense de finales de los años 1960 predijo audazmente que Sly Stone (nacido Sylvester Stewart) sería el “nuevo líder” de la generación. Con un catálogo más pequeño y un reinado más corto en la parte superior que esas figuras icónicas, el reclamo ahora puede parecer inflado, pero en ese momento, reflejaba un verdadero sentido de promesa. Como líder de Sly & the Family Stone, el músico afroamericano se estaba convirtiendo en un cronista de un cambio de paradigma y la voz de un nuevo horizonte con forma del sueño hippie, protesta contra la Guerra de Vietnam y el Movimiento de Derechos Civiles. Dos actuaciones históricas sellaron su estatus en 1969: primero en el Festival Cultural de Harlem, luego en Woodstock. Pero como eso prometió que New World no se materializó, la brillantez de Sly Stone se desvaneció prematuramente: perdió en medio de adicción, presión de los medios y espectáculos desastrosos, sin mencionar las cancelaciones repentinas que a veces provocó disturbios. En 1975, solo unos pocos cientos de personas se presentaron para ver a Sly y la Family Stone actuar en un lugar de Nueva York que podría contener más de 6,000, una clara señal de la fatiga y la desconfianza de su nombre había llegado a evocar. Como era su hábito, el cantante llegó una hora tarde y tocó solo 45 minutos. Más allá de la debacle financiera, el flop condujo efectivamente a la disolución del grupo, aunque Sly continuaría lanzando registros y actuando bajo su propio nombre hasta 1980. ¡El documental Sly vive! (también conocido como la carga del genio negro) enmarca su caída en la gracia dentro de la desilusión más amplia que marcó el final de una década llena de grandes esperanzas, al tiempo que destaca la magnitud duradera de un legado artístico que ni siquiera su propio creador podría destruir. Sentados, algunos miembros de Sly & the Family Stone: Gregg Errico, Larry Graham, Jerry Martini y Freddie Stone. La imagen fue tomada en Nueva York en 1968. Michael Ochs Archives (Getty Images) “Había música negra antes de Sly Stone y había música negra después de Sly Stone. Simple como eso”, escribió el crítico estadounidense Joel Selvin en su libro Sly & The Family Stone: An Oral History (1998). Selvin es una de las personas entrevistadas en el documental recientemente publicado y, cuando El País le pregunta, confiesa que no puede identificar una sola “transformación definitiva o decisiva” provocada por Stone. “Todo el modelo era desconocido, ya sea la composición de la banda, la mezcla de elementos de rock, folk y R&B, o el tema de las canciones”, responde un prodigio de la infancia, un DJ de múltiples instrumentistas y muy influyentes, así como un productor, músico de sesión y activo en vivo para numerosas bandas, formó oficialmente oficialmente el grupo a la edad de 23 años, a lo largo de sus dos hermanos. El título de su primer álbum, A completamente nuevo (1967), declaró abiertamente su ambición, aunque fue su seguimiento, Dance to the Music (1968), lo que los impulsó al éxito comercial y desencadenó una ondulación psicodélica y progresiva a través de la funk contemporánea. En 1968, el año en que Martin Luther King fue lanzado a un lanzamiento de una nueva época: el igual de la vía del día. “¡Tenemos que vivir juntos!”, Instó a la unidad entre hippies en blanco y negro, hombres y mujeres. La banda misma encarnaba esa visión utópica de la coexistencia pacífica desde el principio: tres hombres negros, dos mujeres negras y dos hombres blancos. Ese maquillaje inclusivo ayudó a diferentes audiencias a verse en el grupo, lo que también ayudó a su atractivo comercial. (también conocido como la carga del genio negro) nos recuerda que, en esa década, las cicatrices de la segregación todavía eran vívidas: un miembro de la banda recuerda un incidente en el que un oficial de policía arrojó un insulto racial a la entonces novia de Sly, una mujer blanca. La violencia cotidiana de la época era tan cruda que grupos como el Black Panther Party consideraban ingenuía la postura de la banda e incluso exigían la eliminación de sus miembros blancos. Piedra en 1969. Mark y Colleen Hayward (Getty Images) “La composición de la banda fue una declaración en sí misma”, dice Selvin. Para el libro que publicó a fines de la década de 1990, el escritor reunió testimonios de gran parte del círculo Inner de Sly & the Family Stone y cada músico que alguna vez fue parte del grupo, excepto que el propio Sly Stone, que tampoco participó en el documental reciente, esta vez debido a razones de salud. La piedra ha estado en declive que nunca pareció llegar a Bottom. Retirado desde la década de 1980, aunque tocó algunos conciertos con su amigo George Clinton (de la banda Parliament-Funkadelic), su imagen pública pronto se redujo a apariciones en televisión explotadora como un acto de presentación secundaria y titulares casi a diario sobre los arrestos por posesión de cocaína. En la década de 2000, acordó unirse a una gira de reunión con sus antiguos compañeros de banda, pero solo aparecería para dos o tres canciones cada noche, frustrando a los fanáticos que le habían prometido una reunión a gran escala. Gradualmente, los avistamientos de Stone se volvieron más raros y su comportamiento más recaciente, hasta que la prensa estadounidense lo llamó “The Jd Salinger of Funk”. Para Selvin, parte de ese retiro es porque “sin duda siente una profunda melancolía, probablemente algo de culpa y mucho remordimiento” por su talento y potencial desperdiciados. “Todos sus amigos de entonces lo miran con lástima, como alguien que lo tenía todo y casi deliberadamente lo tiró”, le dice a El País. (también conocido como la carga del genio negro) rechaza esta narrativa típica y niega al espectador un tercer acto convencional. Es posible que Sly Stone nunca haya organizado un retorno dramático, pero, como el triunfante y la celebración “¡Vidas astutas”! En el título nos recuerda: también escapó de la cruel lógica de sacrificio del negocio del espectáculo. “Es como un viejo hombre negro estándar”, dice su hija Novena Carmel, una presentadora de DJ y radio, en la película. “Para su cumpleaños, le pregunté qué quería comer, y solicitó una gran pizza, con todos los ingredientes. También es un gran admirador de los westerns y los automóviles”. En 2011, los informes surgieron que era sin hogar, apoyado por una pareja de ancianos que se aseguró de que comiera diariamente. Sin embargo, amigos y colaboradores cercanos luego negaron estas afirmaciones, explicando que a menudo eligió vivir en una camioneta, dependiendo de la temporada. Hoy, el jugador de 82 años está sobrio y vive en una casa en el sur de California, rodeada de sus hijos y nietos. Smy Stone and Model y actriz Kathy Silva durante su celebración de bodas en el Hotel Waldorf-Astoria en Nueva York en junio de 1974. ¡TTPLP (Getty Images) Sly Lives! está dirigido por el músico, periodista y cineasta Ahmir Khalid Thompson, mejor conocido como Questlove, quien ganó el Oscar al mejor documental con Summer of Soul (2021), una película que también presentaba a Sly & The Family Stone cuando se centró en el Festival Cultural Harlem de 1969. En ese proyecto, Questlove reflexionó sobre el borrado de los medios de eventos culturalmente significativos para las comunidades negras (los conciertos de Harlem atrajeron a multitudes comparables a Woodstock pero casi no recibieron cobertura). En este nuevo documental, comienza preguntando a qué nos referimos cuando hablamos de “genio negro”, esa figura idealizada y ejemplar sobre quién se coloca el peso de la incorporación de los valores más altos de una comunidad. Aborda el escrutinio y las expectativas implacables impuestas a los artistas negros exitosos, mantenidos a un estándar diferente al de sus compañeros blancos, con muchas menos posibilidades de redención. En un montaje de celebridades negras cuyas carreras fueron descarriladas por la presión y el auto-sabotaje, vemos a Will Smith aceptando su controvertido Oscar 2022, una inclusión puntiaguda, ya que la propia victoria de Questlove esa noche fue eclipsada por la infame bofetada de Chris Rock de Smith. La referencia a Smith puede leerse como un gesto tranquilo de perdón del director. Dos leyendas de funk: Sly Stone y George Clinton en el club Nokia (ahora novo) en Los Ángeles en 2009.D. Billy Ingram (WireImage) Los miembros sobrevivientes de Sly & the Family Stone hablan calurosamente en el documental sobre su ex líder, a pesar del hecho de que, en la década de 1970, alienó a muchos de ellos con el séquito con el que se rodeó, incluidos los guardaespaldas de la mafia, y los abandonó en el escenario, a veces diciéndole a la multitud que iba al baño, para nunca regresar. Larry Graham, uno de los bajistas más influyentes de todos los tiempos, dejó a la banda convencida de que Stone había ordenado un éxito sobre él por disputas internas. Luego hubo las payasadas alimentadas por cocaína: en un movimiento que reminiscentora Kanye West, Sly se convirtió en una concierto de 1974 en Madison Square Garden en su boda, completado con los bailarines, Laser Lights y un plan para liberar miles de doves, una idea que fue la Venue que se sometió a su boda que se les ocurrió con los bailares que se les ocurrió a los bailares, y un plan de liberar a miles de doves, una idea que se ha desertado por su boda, lo que se vó con la Venue, se les ocurrió con los bailares de su boda. No voluntad para pagar por seguridad adicional. El matrimonio, para modelar Kathy Silva, duró solo dos años. Su hijo, Sylvester Jr., fue atacado por el perro de Sly debido a la negligencia del cantante. Además de Novena y Sylvester Jr., Sly tiene una tercera hija, Phunne, cuya madre era la trompetista del grupo y cantante, Cynthia Robinson. El fotógrafo y diseñador Stephen Paley, quien creó la portada icónica de un motín de disturbios en (1971), que presenta a un rojo, blanco y negro estadounidense, dice que Sly se convirtió en “Sullen” después de que se siente un sentimiento “. Solo para ver a otros usarlo para construir su propio éxito. “Inventó un alfabeto”, dice Paley, “y luego otras personas comenzaron a escribir libros con él”. Prince modeló su época con la revolución después de la imagen de Sly y The Family Stone, ¡a menudo rindiendo homenaje! vivir. In the 1990s, the same generation that had grown up hearing about Sly’s arrests and meltdowns on TV helped bring his music back into the spotlight, as his work was heavily sampled by LL Cool J, Beastie Boys, Public Enemy, and Janet Jackson.Sly Stone and his daughter Phunne Stone on stage at the Hippiefest festival in New Jersey in 2015. Mark Weiss (Getty Images)“I never lived a life I didn’t want to Live ”, dijo Stone al periodista Alexis Petridis en 2023, durante una entrevista con The Guardian que marca el lanzamiento de su autobiografía Thank You (Falettinme Be Rice Elf Agin), llamado así por la exitosa canción de la banda. En la entrevista y el libro, Stone resiste al cliché del artista atormentado y condenado cuando se refleja en su propia vida. Petridis, one of the few journalists to speak with Stone during his more reclusive years, recalls a much more chaotic phone interview back in 2013 — when Stone was still using drugs — in which the musician claimed he wanted to form a new band made up entirely of musicians with albinism to “neutralize all the different racial problems,” arguing that “all races have albinos.”Now at 82 and living with a debilitating lung condition, the albino band tendrá que seguir adelante sin él. Pero sus ideas, y el musical “alfabeto” que creó, permanecen disponibles para las generaciones que continúa inspirando. Significa nuestro boletín semanal para obtener más cobertura de noticias en inglés de El País USA Edition